92 obras, 29 artistas.
Obras clave en el desarrollo del arte europeo.
Obras y nombres fundamentales
para entender el devenir de las formas pictóricas desde el siglo XX.
La Fundación Mapfre presenta, en Madrid,
una importante selección de obras
que dibuja un destacable fresco de las vanguardias rusas.
Esta exposición lo que nos permite realmente es...
hacer el recorrido a través de todas las vanguardias rusas
que se dan entre 1910 y 1930,
que es un momento de una efervescencia creativa...
sin precedente y que va a influir en todo el arte del siglo XX
y hasta la actualidad.
De Chagall a Malévich,
dos polos opuestos dentro de la gran revolución de las artes,
pero entre ellos hay 25 artistas más, clave en estos movimientos,
y representados por sus obras maestras que vienen de 19 museos.
Si todas las exposiciones cuentan una historia, ésta también lo hace,
y es una que no es del todo conocida, pero es fascinante,
que es la del papel que tuvieron los artistas
en un momento fundamental de la historia de Rusia
y creo que de todo el mundo,
como fueron las primeras décadas del siglo XX,
con su centro en la revolución de 1917.
Van a encontrar, no sólo las obras de Chagall y Malévich,
que representan como dos polos distintos,
dos polos en la forma de concebir las obras de arte,
sino también la de toda una generación de artistas
que revolucionaron, junto a la revolución política que tuvo lugar,
los conceptos que hasta entonces se habían mantenido durante siglos,
y dieron lugar a fenómenos que hoy, más o menos,
en los museos concebimos como naturales,
como puede ser la abstracción, el uso de los objetos
o la aplicación de las artes plásticas a otros ámbitos
como pueden ser las publicaciones de arte o la escenografía.
Dos nombres como referencia, o incluso como contrapunto...
a los influyentes colectivos presentes en la muestra.
Hablamos de Marc Chagall, por un lado...
y de Kazimir Malévich, por el otro.
Máximos exponentes, quizá, de las vanguardias que supusieron
una revolución antes de la Revolución.
Como vemos y, como fácilmente se adivina en la muestra,
cada uno de ellos definió su estilo en base a sus vivencias
y a su particular manera de entender... no sólo el arte,
sino hacia dónde va el arte.
La exposición se divide entre los distintos autores y secciones.
Sin embargo, invitan a una pausa
para entender el desarrollo de la teoría suprematista
que de manera tan concisa...
explicó Malévich en algunas de sus obras más icónicas.
Como todo ser humano,
Kazimir Malévich reflejaba en sus creaciones
su personalidad y vivencias.
Su historia como artista...
evolucionó de la pintura tradicional rusa, primitiva,
a teorizar y sentar las bases de las nuevas tendencias.
La llegada de las vanguardias
lo que supone es una especie de aceleración de ese proceso...
de digestión, en el cual él... va vertiéndose cada vez más,
va como despojándose de elementos espurios,
va como purificando y limpiando su lenguaje
hasta llegar a lo que son los monocromos
y estos tres cuadros de los que hablas, en los cuales...
se ha despojado ya, insisto, de perifollos, de añadiduras,
de cuestiones simbólicas que no vienen al caso,
y lo que ha dejado es la estructura misma
de lo que debería ser un acto de comunicación estética,
que es una especie de presencia, como diría Hegel,
de presencia de la idea... en la forma, y ya está.
Él opinaba que el arte se había llenado
de elementos totalmente accesorios,
había sido oscurecido por esa presencia de elementos,
y abogaba por eliminar las formas al máximo,
optando, en principio,
por el cuadrado como ejemplificación de la simplicidad
y reduciendo los colores,
como ocurre en otra obra presente en la exposición,
en el "Cuadrado negro sobre fondo blanco".
A partir de 1916 ocurre lo que vemos aquí... no se abandonan,
pero se incorporan nuevos elementos geométricos a la obra.
Una serie de planos que se cortan e interactúan entre ellos.
Y no solamente se abandona ese colorido tan parco, los negros,
se incorporan colores nuevos, colores planos,
en cada una de las formas,
que, además, también, parecen interactuar entre ellos.
-Lo primitivo, lo arcaico, no es un punto de partida,
es más bien un punto de llegada.
Entonces, más que ser una especie de callejón sin salida, es al revés,
es la liquidación de todo lo que se había vuelto engorroso
y el poner las bases para iniciar un nuevo ciclo,
en el cual podamos, quizás, volver a jugar,
o podamos generar un nuevo lenguaje
que esté despojado de todas las servidumbres
y de toda la bazofia que se le había ido pegando con el tiempo.
Entonces, Malévich tiene este punto...
de intensidad, de riqueza y, a la vez, de sencillez,
que le convierte en una especie de nuevo primitivo,
pero, insisto, no primitivo en el sentido de punto de llegada,
punto final, sino, al revés, como punto de...
o sea él, obviamente, es un punto de llegada,
porque supone toda esta limpieza de la que hablo,
pero, a su vez, nos abre hacia un nuevo ciclo.
Y del pragmatismo de Malévich, al surrealismo de Chagall.
Chagall sería la imagen,
al menos lo que se suele asociar a él,
la imagen del artista soñador,
del artista poeta, del artista más narrativo,
que tira más de fuentes de inspiración muy íntimas,
muy personales, los sueños, por ejemplo,
se le considera uno de los precursores del surrealismo,
mientras que Malévich...
es, de alguna manera, más duro, más especulativo...
de hecho, es uno de los padres de la abstracción.
Si queremos compararlos,
desde luego, la mejor manera es asistir a la sala
y comprobar como esas imágenes
de figuras volando por los aires de Chagall,
se contraponen al Malévich que presenta
"Un cuadrado negro sobre fondo blanco",
en lo que será el primer monocromo de la historia del arte.
La pintura que niega, por primera vez, a la propia pintura.
Creo que esa contraposición es interesante considerando, además,
que son dos artistas que, en un momento dado, estuvieron muy unidos.
Que ambos ejemplifican, cada uno,
una de las dos tendencias clave en el siglo XX.
Por un lado, la figuración, representada por Chagall,
que es mucho más poético, más narrativo...
y que abre un poco las puertas a lo que despues sería el surrealismo
y, por otro lado, Malévich, que es mucho más riguroso
y mucho más centrado en lo que es la abstracción geométrica.
Lo que son las obras de Marc Chagall,
en ellas se ve siempre sus orígenes rusos y judíos
en muchos de los elementos que se representan en sus obras.
Aparecen, muy habitualmente,
por ejemplo, escenas de boda, de amantes,
escenas que tienen que ver a lo mejor, también,
con el mundo campesino, los diferentes animales...
Además de esto, un gusto por el primitivismo.
Los animales que aparecen muchas veces en su obra
se pueden relacionar con muchos seres míticos del arte medieval,
animales a medio camino entre lo real y lo fantástico.
Mención aparte merece una de las características
más reconocibles de la obra de Chagall: el potente uso del color.
El caso de Chagall,
con esos colores tan vibrantes, tan acentuados,
esos violetas, verde malaquita, llaman mucho la atención,
pero es que todos ellos estaban influidos por los iconos rusos,
en los que aparecían ya esos colores tan vibrantes,
a veces, de invitados.
Otras obras, por ejemplo, de Kandinsky,
presentes en la exposición, podemos ver ese nexo con los iconos,
esos colores vibrantes, a veces, perfilados con una línea negra.
Los colores nos llevan a conocer la exposición al completo,
porque no sólo de Chagall y Malévich
vivieron las vanguardias rusas.
Aparece Kandinsky, para muchos pionero en la abstracción lírica
y el expresionismo.
Con este nutrido grupo de artistas
nacieron tendencias presentes en la muestra como el neoprimitivismo...
el cubofuturismo y el rayonismo...
el constructivismo,
y los ya mencionados suprematismo y la abstracción.
Y en todos ellos confluye una importante característica:
son artistas íntimamente ligados
a los acontecimientos políticos de su época y origen,
es decir, al devenir de la Revolución Rusa en octubre de 1917.
Si en ningún caso en la historia del arte
se puede evitar esa relación,
en el caso de la Rusia de principios del siglo XX muchísimo menos,
puesto que son artistas que anuncian, anteceden, inspiran,
en buena medida, la revolución, y viceversa.
Y la revolución, en los movimientos a partir de este momento
y su evolución,
les inspira a ellos, y tienen influencia sobre su trabajo.
De alguna manera, yo considero incomprensible la historia del arte
sin el espejo de la historia.
Ningún artista trabaja fuera de su contexto
y, sí lo hace, si trata de soslayarse completamente de él,
probablemente no llegué muy lejos.
En esta exposición,
se ejemplifican perfectamente los dos grandes movimientos
que se produjeron a lo largo del siglo XX.
Por un lado, la figuración,
que todavía se representa muy heredera del cubismo
y, por otro lado, la abstracción,
que es el gran movimiento del siglo XX
y que discurrió de manera paralela en toda Europa
en muy diferentes momentos.
A partir de la revolución de octubre de 1917,
con el derrocamiento del régimen
y la posterior implantación del socialismo,
se tiende a identificar el nuevo régimen político
con la vanguardia artística.
Entonces, se rompe con todo lo anterior y, lógicamente,
la instauración de un nuevo régimen político, de una nueva sociedad,
va aparejado a la implantación de una nueva vanguardia
y una novedad en todo lo artístico.
Una vez finalizada la revolución
y el país devenido en un régimen totalitario,
las instituciones soviéticas comenzaron a preguntarse
por el sentido de las obras de los artistas.
Y los artistas a cuestionarse el apoyo o falta de él
que las altas esferas les proporcionaban.
De nuevo, una actitud plasmada en sus obras.
Seres sin rostro que representan el ánimo ante el devenir del país.
Yo destacaría el Malévich que está al final de esta sala y que...
marca el final de la exposición.
Se titula "Deportistas", y es de su último periodo, en el que...
en el poder ya está Stalin,
hay un cierto desencanto por parte de los artistas,
en cuanto a la libertad con la que habían contado hasta entonces,
y él refleja, en esos personajes que vemos ahí,
que parecen estar vestidos de manera distinta,
pero también uniformados y, sobre todo, no tienen rostro,
un momento de desilusión,
un momento en el que están sintiendo que...
la evolución de la revolución, en lugar de llevarles...
a poder desarrollar su individualidad personal,
los está convirtiendo en una especie de máquinas humanas.
Es el testimonio de un desencanto.
Y creo que es interesante porque...
termina la exposición con una pregunta,
que es la que plantea la obra.
Alexander Ródchenko o El Lissitzky...
son algunos de los nombres presentes en la exposición.
Sin embargo, son otros, otras,
a quienes la muestra les presta una especial atención
por la relevante importancia que tuvieron
en el desarrollo de las vanguardias.
Son nombres en femenino.
La presencia de las mujeres en ese momento es fundamental,
no sólo porque sea uno de los primeros momentos
de participación masiva de las mujeres,
sino porque lo hacen en términos de igualdad
y porque, además, no están trabajando medios alternativos.
Ala mujeres a veces se las asocia con medios considerados femeninos
como el papel, como el textil...
No, aquí estaban trabajando en igualdad de condiciones
y es un fenómeno muy interesante...
porque, además, tiene que ver con un replanteamiento
de cuál es el papel de las mujeres dentro de las parejas,
muchos de ellos eran parejas sentimentales,
y dentro de la propia sociedad,
y esto es algo que tardaría en repetirse,
a lo largo del siglo XX, en otros colectivos,
podemos esperar hasta finales de los años 60,
con todos los movimientos del 68,
para ver una participación tan masiva, tan igualitaria de mujeres
dentro de un mismo movimiento artístico.
En un momento de ruptura con la tradición anterior,
de instauración de un momento político nuevo,
lógicamente, se rompe con todo lo anterior,
y la incorporación de la mujer al mundo artístico, a la pintura,
al arte de este momento, resulta clave.
Hay muchas mujeres, desde Gabriele Münter,
que viaja con Kandinsky por primera vez a París, a...
en fin, a muchas mujeres que vienen después... Natalia Goncharova,
están presentes en la creación
de todos estos movimientos artísticos de vanguardia.
Entonces, su papel, realmente es muy destacado.
La impresión que queda tras visitar esta exposición,
es que en ella se resume perfectamente
lo que fueron grandes movimientos,
grandes experimentaciones en el arte del siglo XX.
Cómo muchos de estos artistas viajan a París,
allí conocen el cubismo, y cómo cada uno deriva a través,
por ejemplo, del contacto con el futurismo,
o cada uno deriva por aspectos diferentes,
en una exaltación del color como en el caso de Kandinsky,
en una exaltación más de una abstracción geométrica
en el caso de Malévich,
en fin, cómo cada uno recorre un camino diferente
hasta hallar directamente su propio estilo.
No se puede comprender todo lo que han trabajado los artistas,
especialmente en la segunda mitad del siglo, los minimalistas,
los artistas conceptuales, la abstracción geométrica,
por ejemplo, en España, Eusebio Sempere, Pablo Palazuelo...
por solo hablar de España,
pero en el resto del mundo es incomprensible sin estas figuras.
Figuras que, por otro lado, en Rusia,
durante casi 50 años estuvieron vetadas,
estuvieron escondidas en los almacenes de los museos públicos
y, sin embargo, muchos artistas de fuera de Rusia
se dedicaron a estudiarlas y a reivindicarlas
y, hasta el día de hoy, que siguen siendo muy influyentes,
no sólo para artistas, sino para diseñadores y para...
por supuesto, escritores, poetas... siguen siendo muy influyentes.
Fundación Mapfre brinda una magnífica oportunidad
para ver de cerca las obras de una generación que supo estar
a la altura de las circunstancias.
En especial dos nombres, Marc Chagall y Kazimir Malévich.
Malévich y Chagall, dos formas de entender el arte
partiendo de un idilio común hacia la pintura,
pero evolucionando hacia donde les transportó su trayectoria vital.